L’ART MODERNE PDF

On y découvrira que le peintre-graveur était aussi photographe et cinéaste amateur. Concevant son œuvre picturale comme une entreprise autobiographique, il comptait en éclairer la lecture par ses l’ART MODERNE PDF et notamment par son journal intime. De même, sa pratique de la photographie apporte de précieuses indications sur sa manière d’envisager la conception d’une image.


Ce dossier propose de suivre le parcours conçu par les deux commissaires, Angela Lampe et Clément Chéroux, respectivement historien de l’art et historien de la photographie, tous deux conservateurs du Musée national d’art moderne. Dès 1892, Munch s’éloigne du caractère dessiné et des effets de clair-obscur atmosphériques qui caractérisent le symbolisme3 de la première génération, pour se tourner vers des formes synthétiques et colorées. Une maturation rapide La maturation de son style a été, en effet, des plus rapides. Inscrit à l’École royale de dessin de Kristiania5 en 1880, Munch travaille ensuite auprès du peintre et écrivain naturaliste Christian Krohg, dans un atelier de l’avenue Karl-Johan. En 1884, il se mêle au mouvement artistique et littéraire de la Bohème de Kristiania, prenant de plus en plus distance avec le naturalisme. En 1889, ayant obtenu une bourse d’État, il se rend à Paris, puis à Nice pour développer ses recherches en direction des impressionnistes et postimpressionnistes qu’il y avait découverts.

Au cours de l’été 1891 qu’il passe dans sa maison d’Åsgårdstrand, il peint Mélancolie, considéré comme le premier tableau symboliste norvégien. Mettre en avant la vision intérieure Pour les représentants du symbolisme tardif, comme par la suite pour la mouvance expressionniste, il importe de s’éloigner de la vraisemblance du sujet représenté, qu’elle soit réaliste ou impressionniste. Il s’agit par-dessus tout de mettre en avant la vision intérieure, la subjectivité du regard qui opère au sein même de la perception. Or, ce n’est pas un hasard si ce désir se développe dans le champ artistique au moment où, par ailleurs, la technique photographique se perfectionne, libérant la peinture de son devoir de mimétisme. Et cet intérêt pour la possibilité de retranscrire un instantané de l’âme n’est sans doute pas non plus sans rapport avec l’avènement de la psychanalyse. Prenant acte du développement de la photographie et de l’avènement d’une ère où l’image, techniquement reproductible, va changer de statut, par sa prolifération sur des supports et des formats variés, l’artiste s’interroge sur la valeur de l’image, sur son efficacité dans la peinture. Qu’est-ce qui fait que tel tableau ait du succès partout, que ce soit une toile ou une estampe ?

Le caractère mental de  l’image  lui apparait clairement et c’est sur celui-ci que la valeur artistique d’une peinture doit reposer. Une pensée géniale ne meurt pas. Un trait au fusain sur un mur peut avoir plus de valeur artistique que plus d’un grand tableau richement encadré. Du motif au signe Comme le souligne Angela Lampe, commissaire de l’exposition,  les motifs de Munch se transforment en entités spécifiques, qui flottent en toute liberté, et que l’artiste peut reprendre et placer à son gré dans de nouvelles configurations un signe ou un emblème autonome pouvant être repris et répété à l’envi. Munch crée en somme son propre répertoire de citations dans lequel il va lui-même puiser et où d’autres artistes viendront également puiser par la suite .

C’est notamment le cas, dans les deux versions du Baiser de 1897 et 1914. Les contours des deux visages, littéralement absorbés dans l’acte d’embrassement, se fondent en une seule masse informe, inquiétante comme l’animalité que l’expression de leur désir véhicule. La force synthétique de cette image, figurant la réunion des sexes en une même entité, justifie son emploi dans une dizaine de toiles. La reproduction est aussi pour Munch un moyen de garder à ses côtés des toiles qu’il considère volontiers comme ses enfants et dont les sujets, d’une toile à l’autre, doivent constituer une unité cohérente. La Frise de la vie, qui regroupe les productions majeures des années 1890, parmi lesquelles Le Cri, Le Baiser, Vampire, Puberté, en est un bon exemple. Je construis un tableau à partir d’un autre.

Munch considère L’Enfant malade, dont la première des six versions est achevée à Paris en 1896, comme l’une des toiles les plus importantes de son œuvre. Sans doute l’obsession qui le pousse à revenir sans cesse à cette image, jusqu’en 1932, s’explique-t-elle par le désir de retrouver le ferment de toute son œuvre, le quelque chose qui l’a conduit sur la voie qu’il emprunte à ses débuts. Or, c’est précisément sur la couleur incandescente du souvenir que le récit bascule dans la mythologie personnelle : les cheveux roux de la jeune fille malade ne sont pas ceux de sa sœur, mais ceux d’une jeune fille de onze ans, Betzy Nielsen, qu’il prendra par la suite pour modèle et que l’adolescent avait vue alors qu’il accompagnait son père médecin dans ses visites à domicile. Capter la première impression  C’est le ressouvenir que tente de fixer Munch dans son acharnement, n’ayant de cesse de vouloir  capter la première impression . 17, se sert-il d’une observation précise des phénomènes d’altération de la vision. Edvard Munch, rappelle Clément Chéroux, commissaire de l’exposition, appartient à une génération d’artistes nés aux alentours de 1860 qui ont atteint une première maturité stylistique à la fin du 19e siècle, au moment du grand essor de la photographie amateur, permis par le développement d’un nouveau support sensible, le gélatinobromure d’argent18. Textes et photographies : exposer la vie pour éclairer l’œuvre Cette pratique entre en écho avec la manière dont il envisage ses écrits.

Concevant son œuvre picturale comme une vaste entreprise autobiographique, Munch comptait en éclairer la lecture par ses textes. On trouve ainsi la plupart des thèmes de La Frise de la Vie repris sous forme de poèmes en prose. 20, Munch s’inspire de son passé pour nourrir sa production picturale. Ses photographies ont en charge de témoigner de tels rapports entre lui et son œuvre : les peintures trouvant leur sens à travers la vie du peintre, la vie du peintre trouvant son sens au travers de ses peintures. 21 La question de l’intimité et la nécessité de faire œuvre de sa vie personnelle constituait un sujet de débat privilégié entre les deux amis.

L’un des autoportraits photographiques qu’il réalise lors de sa cure, dans la chambre qu’il a aménagée en atelier de fortune, le montre en buste, assis dans un fauteuil devant un autoportrait peint. Cette œuvre marque le tournant de sa guérison. Le 30 avril 1909, Munch quitte la clinique. Peu de temps après, il confie à un ami collectionneur, Ludvig Ravensberg :  Il y a quelque chose dans mes tableaux que je ne peux surmonter, quelque chose de toujours transparent, de fantomatique.

L’appareil amateur que Munch utilise est l’un des plus courants de l’époque, le Bull’s-eye Kodak 2, fabriqué par la firme américaine Eastman. Fixé à un petit boîtier rectangulaire, l’objectif à foyer fixe présente une optique courte focale, dit aussi grand angulaire, qui a pour particularité d’accélérer les lignes de fuite en déformant les corps, ce que l’on appelle communément l’effet  œil de bœuf . Au titre des  défauts  de prise de vue que Munch exploite pour amplifier l’étrangeté de ses apparitions photographiques, le  bougé  lui permet de s’inscrire en transparence sur la surface photosensible. Le temps d’obturation relativement long qu’implique la pénombre des intérieurs ainsi que le geste nécessaire au déclenchement de l’appareil accentuent l’aspect fantomatique de ses autoportraits. Dans le double portrait de Munch et de son modèle, Rosa Meissner, réalisé avec le concours d’une tierce personne en 1907, c’est par double exposition consécutive du négatif que l’effet de transparence est obtenu. De telles correspondances entre peinture et expériences optiques faites au moyen de la photographie peuvent également se retrouver dans ses prises de vues de lieux et de paysages. Il en va ainsi des flous obtenus par les bougés ou par la trop grande proximité des objets photographiés, des courbes que décrivent les lignes de fuite de certains clichés pris en extérieur.

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L’art moderne PDF

Ce mémoire a été refusé en Mai 2008. Un l’art moderne PDF mémoire a été présenté en Septembre 2008.

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